Temat i Native American Fashion – från rötter till runway sträcker sig från tidiga traditionella uttryck till influenser från européerna, vidare till urfolkens motstånd och tankar om framtiden. Tradition och innovation är tätt sammanflätade. Genom att hedra sin historia och förfädernas kunskap, banar dagens designers väg för kommande generationer. Hos många av dem är en stark drivkraft att genom sitt skapande visa att man fortfarande finns, att ens folk har överlevt kolonisering, tvångsassimilering, stulen mark och brutna fördrag.
– Genom mode, design och hantverk lyfter utställningen sambanden mellan historia, nutid och visioner om framtiden, säger Anna Lundström, biträdande chef för Innehåll och lärande vid Världskulturmuseerna. Här möter levande kulturarv de samlingar vi förvaltar. På så vis vill vi ge våra besökare fördjupad kunskap som också belyser dagsaktuella frågor.
Ett viktigt statusplagg från tidigt 1900-tal finns i föremålssamlingen vid Världskulturmuseet. Det är en hjorttandsklänning från folket apsáalooke, smyckad med tänder från ett stort antal fällda vapiti-hjortar. Angela Howe-Parrish (apsáalooke/pikuni) är en av flera modedesigners som använder tryckta mönster med hjorttänder i sina kollektioner. I sin designpraktik vill hon inspirera dagens unga att föra traditionerna vidare.
Ett plagg som symboliserar kamp är ribbon skirts, kjolar dekorerade med färgstarka tygband. Bonita Woodie (diné/navajo), som medverkar med en ribbon skirt i utställningen, blev på 1990-talet den första nordamerikanska ursprungsdesignern att visas under Milanos modevecka. Kjolen fick stärkt symbolvärde och ny aktualitet efter att eleven Isabella Kulak blev utskälld då hon bar en ribbon skirt i skolan år 2020. Sedan dess hyllas och bärs detta plagg den 4 januari över hela Nordamerika under Ribbon Skirt Day.
– Med en rik stiltradition i ryggen skapar dagens ursprungsamerikanska designers mode som uttrycker motstånd, stolthet och identitet, säger Andrea Davis Kronlund, som är en av utställningens producenter. Här möts streetwear, exklusivt mode och sällan visade historiska regalier på ett sätt som vi hoppas kan utmana stereotyper.
Världskulturmuseerna har producerat Native American Fashion i nära samarbete med multimediaartisten Jeremy Arviso (diné/ hopi/pima/tohono o’odham) som bidragit till grafisk form och utställningsformgivning samt utställningskonsult Kelly Holmes (mnicoujou lakota).
– Mode är så mycket mer än tyg; det är historia, suveränitet och innovation som smälter samman över kulturer och kontinenter, säger Kelly Holmes. Den här utställningen belyser den djupa betydelsen av mode från urfolk – och dess roll i att forma både vårt förflutna och vår framtid på global nivå. Designers från urfolk återtar utrymme och omdefinierar hela berättelserna om oss.
Sammanlagt medverkar 40 samtida modedesigners i Native American Fashion, som också innehåller 80 historiska föremål ur samlingarna vid Världskulturmuseerna. Inför utställningen har Världskulturmuseerna förvärvat ett antal plagg, smycken och skor.
Native American Fashion – från rötter till runway invigs med en stor fest på museet fredag 11 april 2025, med flera av utställningens modeskapare är på plats. Det blir hantverksworkshops, samtal samt musik och dans av artisten Supaman (apsáalooke) som välkomnas av svensk-samiska artisten Sofia Jannok.
Utställningen visas på Världskulturmuseet i Göteborg till och med den 2 november 2026.
